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Ihr Weg zum Lebenstraum war kein direkter. Und dennoch hat Cornè Theron nie aufgegeben. Längst ist die südafrikanische Künstlerin aus der zeitgenössischen Kunstszene des Landes nicht mehr wegzudenken. Nun kommt sie für ihre erste internationale Solo-Ausstellung in die Mitte Deutschlands. In Frankfurt am Main werden 14 ihrer eindrucksvollen Werke vom 23. Oktober bis 1. November ausgestellt.

Cornè, dies ist Ihre erste Einzelausstellung in Deutschland. Was bedeutet das für Sie?

Ja. Denn dies ist meine erste internationale Einzelausstellung. Mein persönlicher Rubikon. Wie eine Wegkreuzung, die nicht nur den beruflichen Fortschritt markiert, sondern auch von einer sehr persönlichen Reise zeugt. Sie ist ein Fest der Ausdauer, der Teamarbeit, der Vision. Die Ausstellung sollte bereits im September eröffnet werden, aber wegen der Einschränkungen durch Covid-19 mussten wir sie verschieben. Ich bin sehr dankbar, eine Agentin zu haben, die beharrlich nach Lösungen sucht!

Die Ausstellung läuft unter dem Titel „AMA“. Gibt es eine Geschichte dahinter?

Vor etwa anderthalb Jahren schickte eine Freundin meiner Agentin Barbara Lenhard ein Video des Unterwasserballetts „Ama“, aufgeführt von Julie Gautier. Wir waren uns sofort einig, dass dies die Grundlage der Inspiration für eine Einzelausstellung bilden sollte. Meine Agentin machte sich daran, die erforderliche Genehmigung einzuholen, und dann begann die Planung. Ama ( 海女, „Meeresfrauen“) sind japanische Taucher, die für ihr Perlensammeln berühmt sind. Die überwiegende Mehrheit der Ama sind Frauen. In Japan sagt man, dass ihre Tauchform 2.000 Jahre alt ist. Selbst in der heutigen Zeit tauchen Ama ohne Tauchausrüstung oder Luftflaschen, was sie zu einer traditionellen Form der Freitaucher macht.

#AMA ist auch ein Hashtag und eine Abkürzung für ‚Ask me anything‘. Es wird von Menschen verwendet, die sich für jede Art von Frage öffnen – insbesondere für persönliche Fragen: Verwundbarkeit, Offenheit, Verbindung, Trennung … das sind die Gedanken, die der gesamten Ausstellung zugrunde liegen, die im tiefen Wasser des Jahres 2020 entstanden ist.

Release – 100cm x 100cm

Wie würden sie Ihre Art von Kunst beschreiben?

Ich male gepixelte Figuren, Landschaften und Porträts. Ich liebe es, Wasser als Referenz und Metapher für unser Unterbewusstsein zu verwenden. Ich benutze Pixel als Mittel, um Individualität zu beschreiben und Farben nebeneinander zu platzieren. Sie verweisen auf die Verbindung, die Menschen in Bezug auf sich selbst und andere finden. Die Konzepte des ‚Blauen Raums‘ und des ‚Blauen Geistes‘ inspirieren auch viele meiner Bilder. Ein befreundeter Neuropsychiater nennt das Unterbewusstsein unser „gespeichertes Gedächtnis“. Die meisten unserer Reaktionen begründen sich in unserer „Programmierung“. Ich bin fasziniert von der Art und Weise, wie wir meist aufeinander reagieren, ohne vorher logisch darüber nachzudenken. Die Quellen unseres Einflusses und die Art und Weise, wie er sich auf uns auswirkt, in Bezug auf unsere Individualität und die Art und Weise, wie wir miteinander umgehen, motiviert meine Arbeit.

Beim Kontakt mit Wasser geht es darum, einen Raum zu betreten, der uns neu kalibriert, uns in einen klareren Kontakt mit uns selbst bringt, aber auch uns mit anderen verbindet. Verbindung ist oft unbewusst und instinktiv. Ich bin fasziniert von den Prozessen, die Menschen zusammenbringen, verbinden und trennen, wie Ebbe und Flut bei den Gezeiten.

#Ama – 100cm x 100cm

Wie begann Ihre Karriere als Künstlerin?

Ich habe Jura studiert und eine kurze Zeit lang als Immobilienanwältin praktiziert. Es gab eine Wechselwirkung zwischen meiner Kunst und meinem Privatleben, die zu meiner heutigen Arbeit führte. Ich besuchte Kunstkurse in der Rust-and-Vrede-Galerie in Durbanville, die sich zu einer Galerie-Vertretung und zur Teilnahme an Kunstmessen und Ausstellungen entwickelte.

Am Anfang ist eine schlichte Leinwand. Wie erschaffen Sie daraus etwas Einzigartiges?

Ich beginne mit einer schnellen Zeichnung auf der Leinwand, dann fange ich an, die Farben auszufüllen, zu verfeinern, zu verpixeln und zu intensivieren. Ich gehe meine Bilder keineswegs wie ein ,Malen nach Zahlen‘-Projekt an. Damit die Farben wirken, muss ich wie bei einem impressionistischen Gemälde vorgehen, um zu wissen, welche Bereiche heruntergespielt und welche hervorgehoben werden sollen. Ich überlasse es der Figur, für sich zu sprechen und sich selbst zu entwickeln. Das ist ein sehr persönlicher Prozess.

Entstehung von „Irradiate“ 100cm x 100cm

Wann und wie haben Sie Ihren persönlichen Kunststil gefunden?

Aufgrund persönlicher Umstände und vor allem aufgrund meiner Erfahrung als Pflegemutter begann ich, gepixelte Porträts eines Jungen zu malen, den wir in unserer Pflegefamilie hatten. Daraus entwickelte sich ein Projekt für Kinder und Mütter in Pflegefamilien, das mich wiederum zur Individualisierung der Farbe inspirierte. Ich verwende Pixel, um Farbe zu erforschen. Die Pixel sind oft „individualisiert“, da ich ihnen unterschiedliche Texturen zuweise. Einige haben scharfe Kanten, andere sind verschwommen, geschichtet und so weiter. Dieser Aspekt meiner Arbeit ist von einem Widerstand gegen die Uniformität inspiriert, die die Individualität zerstört, teilweise aufgrund unserer Erfahrung als Pflegeeltern.

Ich interessiere mich leidenschaftlich für den Kontext der Farbe und bin immer wieder erstaunt über die Art und Weise, wie eine Farbe ihren Charakter behält oder verändert, je nach Kontext. Dies ermöglicht mir die Art und Weise, wie ich Identität und Individualismus in Bezug auf andere interpretiere, zu übersetzen.

Was inspiriert Sie?

Inspiration zu finden, ist manchmal wie der Versuch, einen Dunst einzufangen. Aber Wasser, die Farbe Blau und andere Farben im Kontext inspirieren mich weiterhin. Manchmal ist es schwer zu beschreiben, woher die Inspiration kommt. Sie kann in Form eines Bildes, eines Gefühls oder eines Gesprächs mit jemandem entstehen.

Lucent – 100cm x 120cm

Was bedeutet Kunst für Sie?

Kunst ist sehr stark, ein Teil von dem, was ich bin und wie ich lebe. Es ist unmöglich, sie von mir selbst zu trennen. Die Fähigkeit, visuell so zu kommunizieren, wie ich es tue, ist so intensiv, persönlich und doch objektiv. Wir sind eine organische Einheit, meine Arbeit und ich. Wir sind weder Sklave noch Herr, sondern Partner, wenn es darum geht, den inneren Widerhall der Blaupause auszudrücken.

In Südafrika gibt es eine lebhafte Künstlerszene. Was macht zeitgenössische Kunst aus Südafrika so besonders und vielfältig?

Die zeitgenössische Kunstszene in Südafrika ist jung und energisch, denn Südafrikaner müssen in der Regel sehr hart arbeiten, um Chancen zu finden. Es ist schwer, eine unterstützende Vertretung zu finden, und Expositionen, Museen, Unterstützung von Galerien und Kunstmessen sind viel seltener etabliert. Das bedeutet, dass die Künstler hart arbeiten, kreativ und konkurrenzfähig sein müssen, was im Hinblick auf die Originalität gut ist.

Waren Sie zuvor schon einmal in Deutschland?

Ja, zweimal zu Ausstellungen. Ich liebe Deutschland! Es ist so ein schönes Land und reich an Vielfalt. Die Arbeitsethik in diesem Land ist äußerst inspirierend, aber ich liebe auch das Essen, die Kultur und die Interaktion mit Deutschen.

Seit kurzem dürfen deutsche Urlauber wieder in Südafrika einreisen. Haben Sie einen Tipp für Besucher, die zum ersten Mal in dieses schöne und pulsierende Land für sich erobern?

Abgesehen von den offensichtlichen Orten, die die Menschen gewöhnlich besuchen, wie den Krüger Nationalpark, die Garden Route und Kapstadt, möchte ich Breedekloof empfehlen. Es ist ein Weintal eine knappe Autostunde von Kapstadt entfernt. Dies ist ein Ort, der mir sehr am Herzen liegt und an dem Sie echte südafrikanische Gastfreundschaft, einige preisgekrönte Weine und schöne Restaurants erleben können. Klicken Sie hier für weitere Informationen über dieses schöne Juwel: breedekloof.com/

Weitere Informationen zur Ausstellung unter: kunsthoch3.com und thetravellingartgallery.com/de/